Esquadrão Suicida: amigo, não...

A primeira coisa que vemos no início da projeção de "Esquadrão Suicida" são os logos das empresas envolvidas banhados em cores fluorescentes e uma música escolhida para nos apresentar ao personagem Pistoleiro (Will Smith) com estilo. Logo depois dessa abertura, somos apresentados a outro personagem. Vamos a outro momento musical. Uma sequência de tortura depois, vamos a mais um personagem. Troca a música. Quatro minutos de filme e três músicas depois, Amanda Waller (interpretada por Viola Davis) começa a apresentar seu projeto de juntar prisioneiros para formar uma equipe tática a dois figurões de Washington. Começam os problemas de "Esquadrão Suicida". 

Apresentar personagens é uma tarefa difícil, principalmente quando a trama depende da empatia do público com personagens teoricamente desprezíveis, o que leva ao filme a gastar quinze minutos apresentando alguns membros dessa equipe (sim, nem todos são apresentados depois de tanto tempo) para a cena seguinte ser uma versão resumida da longa explicação que acabamos de ver.

O longa quer ao mesmo tempo gráficos coloridos, músicas icônicas que gritam o óbvio, piadas e ser um filme sujo, escuro e sério. A utilização da música, aqui supervisionada por Season Kent (que eu havia elogiado em textos anteriores aqui) e claramente inspirada no que foi feito em "Guardiões da Galáxia", é bagunçada, uma vez que o filme insiste em enfiar constantemente músicas ao longo de suas cenas, criando uma playlist sensacional do Spotify, mas que na tela se torna algo cansativo após os primeiros vinte minutos e que infelizmente não para até o longa dar o seu último suspiro.

Você precisa ter uma história cujas cenas levam ao que precisa ser mostrado dos personagens e da trama que você quer contar. Aqui em "Esquadrão Suicida" não temos isso. O filme em vários momentos dá a impressão que vai começar sua trama, apenas para ser interrompido por flashbacks que, por mais que mostrem uma ou outra coisa relacionada aos personagens menores do esquadrão, se concentram na relação entre Arlequina (Margot Robbie) e Coringa (Jared Leto). Além de mal colocadas, essas cenas são completamente desnecessárias para a trama principal, servindo apenas para inflar o tempo de filme.

Aliás, o Coringa de Jared Leto, tão alardeado durante a produção do filme (faltam-me dedos para contar o número de vezes onde ele supostamente teria feito algo bizarro por estar "dentro demais do personagem"), mostra-se uma imitação barata de maneirismos que fizeram o Coringa de Heath Ledger funcionar e a dicção de um Jack Sparrow asmático, deixando claro a falta de confiança do estúdio com o longa, jogando constantemente outros personagens mais conhecidos do universo DC nesses momentos.

Como era de se esperar, o protagonismo do filme ficou com os membros mais conhecidos seu elenco. Will Smith aqui encarna a persona que o levou ao estrelato, mostrando um Pistoleiro carismático e que se importa com a sua filha (por mais que o fraco roteiro de Ayer sempre tente sabotar seus personagens e motivações). Margot Robbie encara competentemente o papel da Arlequina, o único problema com isso é que a personagem se limita a ser uma página ambulante do Tumblr, quererendo escancarar a cada cinco minutos sua suposta insanidade enquanto usa shorts curtos. Jay Hernandez como El Diablo é competente, mas não tem muito o que fazer a não ser dar diálogos expositivos. Joel Kinnaman também ganha um pequeno destaque ao encarar o militar-bom-moço Rick Flag, que é responsável por liderar o time, mantê-lo na linha por motivos óbvios e por sua ligação com a vilã Magia (Cara Delevingne), que deseja abrir um buraco no céu para chamar os Chitauri  destruir a Terra e o Quarteto Fantástico  trazer fantasmas à Nova York destruir o mundo, eu acho.

O resto do elenco nada pode fazer, uma vez que o filme tende a colocá-los de lado, até mesmo durante a batalha final, deixando eles limitados a piadas de uma fala só ou momentos emocionais embaraçosos, como é o caso da personagem de Katana (Karen Fukuhara), que fica limitada a ameaças de usar a espada "que prende as almas de quem ela mata", poder esse que nunca é de fato usado durante o filme. Essa negligência com os personagens leva o terceiro ato a tentar forçar laços entre esses personagens que passaram apenas um dia juntos (o termo "família" é utilizado várias vezes em poucos minutos).

A luta final se limita a ser a cansativa história de "grupo luta contra um exército sem rosto e tenta parar um raio azul no céu", o que leva ao problema com as cenas de ação: filmes de ação envolvendo grupos é sempre uma oportunidade grande para criar grandes cenas divertidas de ação com os seus personagens, mas o que recebemos aqui são sequências bagunçadas, que limitam os membros do grupo a atacarem um de cada vez o mesmo inimigo. Quer dizer, o que realmente fazem alguma coisa nas cenas de ação.

E se o conceito do combate final não funciona, a situação da vilã e seu irmão, uma criatura milenar feita por um computador tão antigo quanto ele (o visual parece ter saído direto dos restos mortais de "Deuses do Egito") é pior ainda, já que suas motivações são confusas e sua participação se limita a uma espécie de dança que pode servir para a próxima festinha da faculdade. Além disso, o fato da vilã ter sido criada pelas pessoas que resolveram criar o Esquadrão é algo que não faz muito sentido, mas é o que recebemos para continuar com a trama.

Quando "Esquadrão Suicida" finalmente termina, a sensação é que passamos um dia todo com personagens esquecíveis, um roteiro fraco e uma direção que não lembra em nada a do mesmo diretor que trouxe filmes como "Marcados Para Morrer" e "Corações de Ferro". "Esquadrão Suicida" muito mais parece o trabalho de um diretor de primeira viagem em uma adaptação de videogame, que pensou que o excesso de estilo fosse ajudar como maquiagem.

Nota: 1.5/5

"Homem-Formiga", um adeus à Fase 2 do MCU

Chegamos ao fim de mais uma fase da Marvel Studios. A Fase 2, que começou em 2013 com "Homem de Ferro 3", termina agora com "Homem-Formiga", um filme anunciado anos atrás, quando o universo Marvel não era essa coisa que temos nos cinemas duas vezes por ano. O longa, originalmente escrito por Edgar Wright e Joe Cornish (e que seria dirigido pelo próprio Wright), passou por dificuldades durante suas filmagens, o que levou a uma revisão no roteiro feita por Paul Rudd (o Scott Lang) e Adam McKay (parceiro do Will Ferrell) e na mudança de diretor, colocando Peyton Reed no comando da produção (mesmo com Wright e Cornish ainda recebendo créditos pelo roteiro).

Se no ano passado a Marvel Studios nos apresentava acertos como "Capitão América 2" e "Guardiões da Galáxia", esse ano fomos apresentados aos embates entre Joss Whedon (o diretor de "Os Vingadores" e sua continuação "Era de Ultron") e Kevin Feige (o chefão da Marvel Studios) em relação à edição final de "Era de Ultron", além de comentários do próprio Whedon em relação ao roteiro de Wright e Cornish, dizendo que era o melhor da Marvel que ele havia lido. Com certeza estamos falando de duas das produções mais abertamente problemáticas da Marvel Studios, mas será que "Homem-Formiga" sobreviveu a tantas mudanças?

O filme foca no ladrão Scott Lang (Paul Rudd) que, após receber sua liberdade, procura endireitar sua vida pelo bem de sua filha Cassie (Abby Ryder Fortson). Como a vida para um ex-detento não é fácil, Scott acaba em mais um roubo que o leva a invadir a casa de Hank Pym (Michael Douglas) e acaba roubando um uniforme misterioso que todos nós sabemos o que faz, menos o Scott, então sem spoiler, tá gente?

O que Scott não sabia é que Pym já estava de olho nele e que havia o escolhido para ser seu sucessor como Homem-Formiga, uma vez que Pym e sua filha Hope (Evangeline Lilly) precisam impedir Darren Cross (Corey Stoll), ex-pupilo de Hank e agora presidente das Indústrias Pym, e seus planos de replicar o soro de Pym e comercializá-lo.

Por mais falha que seria a execução do Marvel Cinematic Universe (como o problema dos filmes sobreviverem isoladamente), não tem como negar que o estúdio sabe muito bem apresentar personagens inusitados e fazê-los cair nas graças do público em geral, afinal, por mais legal que todos achem o Tony Stark, ele sempre foi um personagem B que acabou funcionando muito bem em tela graças ao carisma de Robert Downey Jr., hoje um dos rostos mais importantes para quem acompanha o MCU e o mesmo acontece aqui: conseguimos embarcar na história e no absurdo da premissa de um herói chamado "Homem-Formiga" graças ao carisma de Paul Rudd. O ator, habituado com comédias, faz com que Scott Lang seja adorável desde sua primeira aparição em tela, além de conseguir conferir o peso do personagem quando necessário.

Outro acerto do filme é a interação entre Lang e Luis (Michael Peña), que acerta no timing de seu personagem, sem fazer com que os alívios cômicos atrapalhem o ritmo da trama, como em "Era de Ultron". Não tenho problemas também com os personagens do rapper T.I. e de David Dastmalchin (aquele que tentou matar o prefeito em "O Cavaleiro das Trevas"). Seus personagens servem como aliados de Lang e no alívio cômico.

Michael Douglas e Evangeline Lilly pouco fazem com seus personagens, uma vez que o roteiro não abre espaço para algo mais que uma história de pai e filha cheios de problemas em sua relação. Essa trama acaba sendo mais prejudicial à personagem de Lilly, uma vez que limita seu papel à "pessoa que não acredita que o herói seja o cara certo para o serviço, mas que eventualmente aceita sua participação". Pelo menos Douglas ainda recebe algumas cenas interessantes para seu Hank Pym, principalmente nos primeiros minutos e algumas poucas cenas interessantes interagindo com Paul Rudd.

Um dos grandes problemas do filme acaba sendo o vilão de Corey Stoll. Seu Daren Cross nada mais é que um ex-pupilo revoltado por seu mentor não ter compartilhado todo seu conhecimento (no caso, Pym nunca confiou a ele o segredo da roupa do Homem-Formiga). Suas motivações não são fortes o suficientes para criar alguma sensação de perigo para o protagonista, além de ser resumido a um vilão que possui exatamente os mesmos poderes do herói e não é a primeira vez que isso acontece no MCU. Lembram do Jeff Bridges no "Homem de Ferro"? Do final do "Homem de Ferro 2"? Do Caveira Vermelha de "O Primeiro Vingador"?

70% do filme serve mais como para o treinamento do protagonista. O primeiro ato demora para terminar e o segundo ato poderia ser resumido numa simples montagem mostrando o crescimento das habilidades de Lang. São sequências divertidas, acredite, mas acabam atrapalhando o rumo da trama, fazendo com que o vilão e a ameaça que ele representa sejam de pouca importância até os últimos quarenta minutos de filme, onde tudo em tela ganha um tom de urgência que não é justificado. Além disso, o filme gasta um tempo desnecessário com a sub-trama envolvendo o padrasto de Cassie e Lang, que além de muitas vezes desnecessária, acaba causando uma quebra na tensão do clímax do filme, numa das batalhas finais mais insossas do universo Marvel, mesmo tendo uma das cenas mais engraçadas do longa e que explora o poder do herói, mas que foi estragada para qualquer um que viu o trailer.

Embora as cenas de ação sejam bem realizadas num ponto de vista técnico, funcionando muito bem quando encolhemos junto com o herói, Peyton Reed só faz o suficiente para que elas sejam compreensíveis e visualmente interessantes, mas genéricas e esquecíveis. Aliás, Reed entrega aqui exatamente o que a Marvel parece ter procurado em seus diretores: a padronização. Tenho certeza que poderíamos ter recebido cenas de ação bem coordenadas e frenéticas numa versão comandada por Wright, mas por ser um diretor de estilo próprio (na minha opinião), teria entregado um filme muito diferente do resto do MCU e isso poderia ser um problema para a empresa. Isso não é dizer, claro, que todas as ideias de Wright foram tiradas da projeção. Cenas como as histórias de como Luis descobriu certos planos e algumas ideias de piadas parecem sobra do que foi criado por Wright e Cornish.

No final dos 117 minutos de "Homem-Formiga", a sensação é de que poderíamos ter visto um filme muito mais leve. Ele tem seus momentos divertidos, mas poderia ter aproveitado muito mais o absurdo que cerca o personagem e suas habilidades. Ainda com seus problemas de ritmo, é um bom final para uma fase que sofreu bastante em seus momentos finais.

Nota: 3.5/5

P.S.: Como esperado, existem duas cenas após o filme. Uma durante os créditos e outra após o término.

"Pixels" não é tão ruim quanto pensei

Não sei vocês, mas eu fico com medo toda vez que vejo o nome Adam Sandler no pôster ou num trailer de filme. Não que ele seja um ator que falhe miseravelmente em tudo que faz, afinal, "Como Se Fosse a Primeira Vez" e "Click" são filmes bastante divertidos, mas são dois filmes que  foram lançados anos atrás e parece que hoje em dia, Sandler está falhando até mesmo em seus filmes de natureza falha. Isso basicamente explica a recepção e o meu eventual medo em assistir "Pixels", o novo "filme" envolvendo Adam Sandler e seus colegas.

O filme, baseado livremente no curta feito por Patrick Jean, acompanha o "adorável perdedor" Sam Brenner (Adam Sandler), que após ficar em segundo lugar numa competição de fliperama, não fez muita coisa com sua vida e acaba trabalhando como técnico de uma loja de aparelhos eletrônicos. Num dia de serviço qualquer, ele acaba indo trabalhar na casa de Violet (Michelle Monaghan), onde as coisas não vão muito bem porque é um filme do Adam Sandler e o par romântico dele precisa "odiar" ele. Então, ele acaba sendo convocado à Casa Branca por seu amigo de infância, o Presidente Cooper (Kevin James, quem mais?). Cooper acredita que há algo estranho no fato de uma base militar ter sido atacada por algo que parece ser o jogo Galaga e que seu amigo pode ajudar a identificar a ameaça.

Claro que depois acabamos descobrindo que se trata de um ataque de alienígenas que tiveram acesso ao conteúdo de uma sonda enviada pela NASA ao espaço no ano de 1982. A sonda teria como conteúdo imagens dos nossos jogos de videogame e do que mais estava presente na cultura americana durante a década de 1980. Os alienígenas encararam isso como um chamado para um confronto intergalático e a única esperança são os jogadores de arcade liderados por Adam Sandler.

Colocando em um texto o resumo do roteiro feito por Tim Herlihy (roteirista habitual dos trabalhos de Sandler) e Timothy Dowling (responsável por "Esposa de Mentirinha"), eu percebo o quão imbecil a história do filme realmente é. Aqui vemos um Adam Sandler completamente morto por dentro. É possível ver que o ator chegou a um ponto onde nem ousa mais tentar, afinal, o filme o coloca na pele de um personagem que já foi repetido várias vezes durante sua carreira. Por mais estranho que pareça, a sorte é o grande número de cópias dubladas que o filme recebeu. Aqui no Brasil, Sandler recebe a ajuda da voz carismática do dublador Alexandre Moreno, que tenta mascarar o fato do ator estar no piloto automático (teria ele mantido o controle de "Click" e decidido passar as filmagens do filme no modo "avançar"?).

O elenco de apoio pouco pode fazer dentro do roteiro, uma vez que Michelle Monaghan é reduzida a um mero interesse amoroso que precisa ouvir as falsas tentativas de defesa aos nerds que saem da boca de Sandler, além de ser o esteriótipo da militar durona que odeia, mas que eventualmente vai ceder ao "charme" do protagonista. Kevin James faz a mesma coisa de sempre, mas, como sempre, não chega a incomodar. Quando Josh Gad tem a oportunidade de trabalhar sozinho, ele pega a atenção do público com seu jeito carismático e geralmente exagerado. Por último no time de protagonistas, temos Peter Dinklage como o rival do personagem de Sandler. Ele seria o melhor personagem do filme se não fosse pela falta de oportunidade do roteiro de dar algum momento realmente bom ao ator.

Se o elemento humano do filme acaba ficando muito abaixo da média, o que pode valer o ingresso da projeção são as cenas onde os personagens 8-bits ganham vida e destroem tudo pelo caminho. Os pixels de "Pixels" se movimentam muito bem em tela e funcionam até mesmo em um 3D convertido cujos resultados são bastante satisfatórios. Se filme não cai aos pedaços, é graças ao esforço do diretor Chris Colombus (dos dois primeiros "Esqueceram de Mim" e "Harry Potter"), que realiza cenas de ação divertidas e que conseguem ser compreendidas pelo espectador, graças ao uso de planos abertos e estáveis (porque não merecemos um filme do Adam Sandler dirigido pelo Michael Bay, né?).

"Pixels" não é um filme totalmente fracassado em sua premissa. O longa acaba virando aquele programão com os amigos onde ninguém realmente está ligando para os furos de roteiro ou a instabilidade das piadas, além de funcionar muito bem num IMAX 3D. O único problema é que, se você não entender alguma coisa dos jogos dos anos 80, celebridades americanas ou da cultura americana nos anos 80, terá que se contentar apenas com os visuais e o Adam Sandler. Pelo menos uma dessas coisas é bem sucedida em ganhar vida na tela.

Nota: 2.5/5

Mais emoção. Não é o que queremos?

Não sei vocês, mas eu nunca teria apostado que "Jurassic World" faria o dinheiro que fez (e continua fazendo). Até o momento no qual esse texto está sendo escrito, o filme já fez um pouco mais de US$1,4 bilhões, sendo a quinta maior bilheteria da história (levando em conta a inflação). Além disso, ele continuou firme entre os três filmes que mais arrecadaram nas bilheterias americanas do último final de semana, um mês depois de sua estreia. Podemos concordar que o resultado final saiu melhor que a encomenda.

"Jurassic World" é um filme legal. Só isso. Eu posso ter meus problemas com o resultado final do filme, mas não me arrependo do gasto no ingresso do IMAX (infelizmente, a sala da minha cidade estava com defeito na parte 3D). Como espetáculo, "Jurassic World" merece todos os "wow" e "caral..." que soltei durante suas duas horas de duração. E se a história pode não ser perfeita, ela diz muito sobre o cinema atualmente.

O grande conflito da história começa quando o Indominus Rex consegue escapar de sua jaula. Um híbrido entre espécies de dinossauros, a criatura foi criada com o propósito de atrair mais visitantes ao parque, uma vez que o lugar se beneficia das novas atrações (cobertura da imprensa mundial, visita de celebridades, propagandas e novos patrocinadores). Como a personagem de Bryce Dallas Howard explica aos patrocinadores em potencial nos primeiros minutos do filme, há vinte anos atrás, ressuscitar dinossauros era o suficiente para fazer com que as pessoas ficassem maravilhadas, mas a sociedade atual já se acostumou a ver esse tipo de coisa. Isso não impressiona mais. Como ela mesma diz: "Os consumidores querem eles maiores, mais barulhentos e com mais dentes. A boa notícia é que o nosso avanço em ciência genética abriram uma nova fronteira."

Embora esteja falando de uma sociedade já acostumada a ter um parque com dinossauros vivos, é impossível não desviarmos a atenção por uns segundos e concordarmos com o que ela diz. 22 anos se passaram desde o lançamento de "Jurassic World" e, embora tenha envelhecido muito bem, duvido que ele ainda vai impressionar muita gente. Sabemos que essas coisas são possíveis, sabemos como elas podem ser feitas, mas ainda sim queremos nos impressionar. Queremos que um espetáculo visual se desdobre diante dos nossos olhos, junto a uma trilha de som em 7.1 ou 11.1. Algo como as 24 caixas de uma sala IMAX ou as caixas de som no teto de um sistema Dolby Atmos. E se isso não for o suficiente para nos jogar no meio da ação, por que não colocar uma dimensão extra por alguns reais a mais?

Relaxa, esse não é um texto condenando esse tipo de filme. Eu amo ir ao cinema ver esse tipo de filme. Adoro marcar no calendário a data de estreia, acompanhar o marketing e as notícias. Diabos, eu não escreveria num site para duas pessoas (oi gente <3) se não gostasse de todas as formas de cinema, incluindo o cinema blockbuster. Além disso, estou falando como alguém que ainda vai no cinema. É caro ir, ainda mais se você vai várias vezes ao longo do mês (principalmente na época do verão americano). As salas podem não ser as melhores. Os horários também, principalmente se você prefere ver um filme legendado. Já desisti de muitos filmes e em formatos maiores por não terem horários legendados, serem em uma hora difícil ou pior: ver o filme em um formato que não é o ideal por ser a única opção legendada. As pessoas podem ser um problema, entre outros problemas que podem surgir.

Não precisamos de menos blockbusters ou menos adaptações de HQs ou livros. Precisamos dos filmes que nos façam tirar os smartphones da cara, que nos façam querer juntar os amigos e organizar uma expedição ao cinema ou até mesmo ir sozinho (porque sim, por mais que eu goste de uma boa companhia no cinema, ir sozinho é mais simples e, em alguns casos, muito melhor). Precisamos de filmes bons, que nos façam esquecer que as coisas estão ruins por duas horas, que nos deixe otimistas, determinados a fazer algo e o mais importante: que nos faça pensar sobre as nossas vidas e o mundo ao redor.

Cidades de Papel: mais uma adaptação competente dos livros de John Green

Há um pouco mais de um ano, os cinemas lotaram de pessoas com a intenção de assistir à adaptação cinematográfica do best-seller "A Culpa é das Estrelas", de John Green. O livro, que fez o autor cair nas graças do público ao redor do mundo (incluindo eu), também rendeu um filme que deu à Fox Film mais de US$300 milhões. Então, o anúncio da adaptação cinematográfica de mais um livro de Green não foi exatamente uma surpresa. Mesmo que "Cidades de Papel" não acabe fazendo tanto dinheiro quanto Hazel e Gus, o filme ainda consegue ser uma surpresa tão boa quanto.

O filme conta a história de Quentin Jacobsen (Nat Wolff, de "A Culpa é das Estrelas") e sua vizinha Margo Roth Spiegelman (Cara Delevingne, do inédito "Esquadrão Suicida"). Companheiros de brincadeira quando crianças, os dois começaram a se separar ao longo dos anos. Enquanto Quentin seguia seu plano de passar para uma boa faculdade, ter uma carreira, mulher e filhos, Margo conquistou uma reputação lendária para si, claramente virando a rainha do colégio. Por anos, tudo que Q (como Quentin é apelidado) podia fazer era observar sua vizinha/paixão platônica à distância, até a noite em que Margo entra pela janela de seu quarto e o convida para ser o seu ajudante em um plano de vingança.

Com a esperança de que agora as coisas serão diferentes, Q é surpreendido com a notícia de que Margo fugiu de casa mais uma vez. Como a vizinha tem o hábito de deixar pistas sobre os lugares para onde vai, Q, com a ajuda de seus amigos Radar (Justice Smith) e Ben (Austin Abrams), acredita que, dessa vez, as pistas foram deixadas para ele e que é sua missão encontrar Margo Roth Spiegelman.

Mesmo sendo vendido nos trailers como a história de um garoto nerd correndo atrás de sua vizinha incrivel, o resultado final de "Cidades de Papel" é uma história sobre amadurecimento, amizade e a quebra das idealizações. É possível ver aqui um trabalho mais "relaxado" de Scott Neustadter e Michael H. Webber (ambos de "A Culpa é das Estrelas" e "(500) Dias Com Ela"), fazendo adaptações maiores no texto de Green do que o trabalho feito anteriormente. A história continua a mesma, mas coisas foram adicionadas para fazer a história se mover com mais facilidade e ter um desfecho mais fechado que o livro.

Como eu disse, "Cidades de Papel" é sobre a quebra da idealização. A imagem de Margo é lentamente desconstruída ao longo da narrativa. A lenda, a garota incrível, o milagre que mora ao lado não é nada além de uma garota que não sabe quem realmente é e que precisa sempre representar a personagem Margo Roth Spiegelman, a garota que já viajou com um circo, que conseguiu acompanhar bandas em turnês, entre outras histórias. Claro, essa desconstrução não é perfeita, uma vez que Cara Delavine não conseguiu dar vida à personagem completamente, muitas vezes ficando para o roteiro do filme o trabalho de nos apresentar a ideia de que algo mais complicado pudesse estar acontecendo por trás da garota aventureira. Felizmente, o roteiro consegue segurar essa falha do melhor jeito possível, até porque Margo está desaparecida por 60% da trama.

E se Delevingne parece "dura" no papel, o mesmo não pode ser dito do resto do elenco, principalmente do trio formado por Wolff, Smith e Abrams como Q, Radar e Ben. Mesmo que Nat Wolff seja um protagonista carismático e bem sucedido na tarefa de fazer o público embarcar na trama (confesso que fiquei com medo e pena do seu personagem nos momentos finais do filme), a relação entre os três amigos é o que faz o filme ter sucesso em dar suas lições de moral, além de serem responsáveis pelos melhores momentos da projeção, como numa cena em que eles cantam a primeira música que vem à cabeça.

Em termos de estilo, "Cidades de Papel" lembra "A Culpa é das Estrelas" ao repetir a narração em off do protagonista ao longo da trama, algo que talvez vire uma constante nas adaptações dos trabalhos de Green, uma vez que apenas "O Teorema Katherine" não é narrado por seu protagonista. Ao mesmo tempo, esse filme se separa desse estilo ao investir em um visual diferente, em um formato 2.39:1 carregado de tons que dão a ideia de algo dourado em algumas cenas, mas sem saturar a sua paleta de cores, carregando a falsa ideia de perfeição que Q projeta em Margo para o lado visual. O diretor Jake Schreier (do ótimo "Frank e o Robô") comanda a narrativa sem usar os mesmos artifícios já usados em "A Culpa é das Estrelas", onde cada momento de emocional parecia carregar uma faixa da trilha. Aliás, é possível ouvir a trilha instrumental de Ryan Lott mais do que os hits que vão deixá-lo com vontade de comprar o CD da trilha (não que Josh Boone não tenha feito um bom trabalho, mas foi bom não tentarem fazer o mesmo tipo de filme).

"Cidades de Papel" não é o melhor filme do ano (tenho minhas dúvidas até se vai ganhar um MTV Movie Awards) e talvez não seja indicado para todos, mas está cheio de momentos engraçados, personagens carismáticos, atores competentes e com química entre si, referências à cultura pop, uma direção competente e uma história capaz de se conectar com todos que já passaram por uma paixão platônica ou pelo abandono de algumas coisas em prol do amadurecimento.

Nota: 4/5

Leva ela na Lua por mim, tá?

ESSE TEXTO POSSUI SPOILERS DE "DIVERTIDA MENTE". LEIA POR SUA CONTA E RISCO.

Divertida Mente não é só o filme da Pixar que você esperava ver

4 anos. Esse foi o tempo que demorou para conseguirmos um sucessor a altura de "Toy Story 3". Quase 11 anos. Esse foi o tempo que eu demorei para conseguir assistir um filme da Pixar no cinema. Não por achar que os filmes lançados nesse tempo não mereciam ser vistos na telona, apenas por falta de sorte mesmo. Então, eu finalmente voltei a sentar no mesmo cinema onde eu assisti "Os Incríveis" pela segunda vez no dia do meu aniversário e a Pixar voltou a ser a Pixar.

"Divertida Mente" (Inside Out) é dirigido por Pete Docter ("Monstros S.A." e "Up - Altas Aventuras") e mostra o que acontece dentro das nossas cabeças. Quase como o segmento do espermatozoide de "Tudo o Que Você Sempre Quis Saber Sobre Sexo E Tinha Medo de Perguntar", o filme mostra como nossas emoções reagem ao mundo ao redor e, consequentemente, como nós acabamos reagindo a esses estímulos. Mesmo nos mostrando pontualmente o "centro de comando" de cada pessoa, o longa foca na cabeça de Riley, uma garota de 11 anos que acaba de se mudar com os pais de Minnesota para San Francisco. Todas as pessoas possuem em sua cabeça cinco sentimentos, Alegria, Tristeza, Raiva, Nojo e Medo, sendo Alegria (Amy Poehler na versão original e Miá Mello na dublagem brasileira) a comandante da cabeça de Riley, além disso, a mesma é responsável por tentar uma relação harmoniosa entre as outras emoções.

Desde "Wall-E", a empresa da luminária saltitante não apresenta um universo completamente original às telas, fazendo com que o primeiro contato com o mundo criado para a mente de Riley seja um banquete visual. O único problema que senti (não sei dizer se foi culpa da projeção [em película, devo ressaltar]), foi em relação à profundidade de campo, que parecia bastante reduzida e o filme em 2D acaba parecendo ainda mais 2D (soube que a versão 3D também não está arrancando aplausos, então devo supor que é uma decisão artística).

Claro que o filme se resume a cenários coloridos e incríveis, uma vez que toda a ação que se passa em São Francisco (fora da cabeça de Riley, no caso), possui sua paleta de cores reduzida, passando a sensação fria que o lugar passa, mais uma vez mostrando o cuidado que a Pixar possui em querer nos passar informações narrativas até mesmo através das cores e da riqueza do design, que é uma das nossas melhores fontes de informação, como na primeira cena, onde vemos que os controles da cabeça de alguém ao nascer são simples, limitando-se a um botão, enquanto os controles centrais de um adulto são mesas grandes e complexas (perceba como o estilo do centro de controle muda dependendo da pessoa, como o do pai de Riley, imitando uma sala de guerra e o da mãe, mostrando ser quase um programa de debate).

O filme também acerta na experiência de embarcar naquele universo junto com aqueles personagens e ainda sim intercalar com o mundo exterior sem perder seu ritmo, tornando os acontecimentos entre os dois como uma bola em um jogo de tênis, mas além disso, "Divertida Mente" é o filme mais ambicioso da Pixar até o momento. Se "Os Incríveis" começávamos a questionar algumas atitudes que a sociedade toma em certos eventos, aqui não temos apenas um divertido "e se", temos um estudo complexo sobre como nossa mente funciona durante o nosso crescimento e o que precisamos largar e as coisas que precisamos balancear ao longo do caminho.

E enquanto temos piadas bem colocadas visual e verbalmente, outras informações mais sutis mostram ricos detalhes nos personagens e suas ações, sem fazer com que a trama se torne didática ao extremo, erro que poderia facilmente acontecer por se tratar de um filme que precisa apresentar muitos conceitos que serão importantes ao longo da narrativa. Por exemplo, o sorriso que lentamente brota no rosto da Tristeza e uma das melhores piadas do filme: qual emoção controla cada personagem. Por se tratar de uma criança, a cabeça de Riley é controlada pela Alegria e as outras emoções ainda são muito singulares em seu jeito de agir, além de não saber muito bem como agir, ao contrário de sua mãe, que é comandada por uma versão muito mais controlada da Tristeza e que as outras emoções trabalham harmoniosamente.

Além disso, temos mais um trabalho incrível de Michael Giacchino na trilha sonora, que pontua a narrativa com um tom doce e inocente, trazendo um tema que, com as variações certas, funciona até mesmo quando a narrativa precisa assumir seu lado mais "pesado", por assim dizer.

"Divertida Mente" não é só o filme da Pixar que você esperava (e queria) ver depois do terror que foi "Carros 2" e a gradativa melhora que tivemos com "Valente" e "Universidade Monstros". É o filme que da Pixar que você precisava ver. Ele é divertido, é triste (vamos nessa, estamos falando da Pixar, você realmente achou que ela não aproveitaria a oportunidade?), imaginativo, colorido e nos faz lembrar das pessoas que, há vinte anos atrás, perguntaram o que acontecia com nossos brinquedos quando não estávamos por perto. Sim, Pixar, eu achei que você perdeu o jeito e que não seríamos mais convidados para os seus "e se". É com prazer que digo que não poderia estar mais errado. Obrigado, Pixar. Muito obrigado.

Nota: 5/5

#ThrowbackThursday: Os Incríveis

Começando hoje, o #ThrowbackThursday do El Nerdón vai trazer a minha "incrivelmente importante" opinião sobre um filme, CD, série de TV ou livros que já não geram mais tanta discussão assim, mas que sempre vale a pena revisitar, além de ressaltar a importância que a obra teve na minha formação como pessoa irritante e pseudo-intelectual. Tudo isso nas quintas-feiras, claro.

Nessa semana, após assistir "Tomorrowland - Um Lugar Onde Nada é Impossível" e com tempo livre o suficiente para ver os extras do DVD de "Os Incríveis", resolvi rever o filme, coisa que não fazia há um pouco mais de um ano. O filme, que marcou o início da parceria entre o diretor Brad Bird com a Pixar (três anos depois, essa parceria também nos trouxe o incrível "Ratatouille"), também está relacionado, a um nível pessoal, ao começo da formação do moleque que gosta de entrar em sites sobre cinema e deixar marcado no calendário a estreia de um filme esperado por ele. 

Não consigo ter certeza do momento no qual eu, nos meus seis anos de idade, teria encontrado no site da Disney o site oficial desse filme, apenas com uma contagem regressiva para o lançamento do filme. Aquilo chamou a minha atenção e logo eu estava usando a frase "faltam x meses para 'Os Incríveis'" perto do meu padrasto. O mais engraçado é que eu não sabia nada sobre o filme. Não tinha visto o trailer, não conhecia os personagens, até achava que o Omnidroid era uma versão do Dr. Octopus do "Homem-Aranha 2" ao ver o seu boneco do McDonald's (ainda tenho esse boneco, junto ao carro do Sr. Incrível). Eis que, por pura coincidência (ou talvez não), eu estava no shopping com minha mãe e meu padrasto na dia da estreia do filme. Ele, lembrando das vezes nas quais eu falei sobre o longa, decidiu que terminaríamos a noite assistindo ao filme.

Nos meses que vieram a seguir, eu havia virado um completo viciado naquele filme e naqueles personagens. Eu tinha (ainda tenho em algum lugar) os bonecos dos personagens, o álbum de figurinhas, queria sair por aí correndo como o filho hiperativo dos Pêra e adorava desenhar a cena do Sr. Incrível contra o Omnidroid no vulcão (até porque eu só conseguia desenhar aquilo e ainda ter a justificativa de que "era o desenho de uma criança"). Além disso, esse filme foi responsável por começar o meu vício por edições de DVD com mais de um disco e Brad Bird foi um dos primeiros nomes relacionados ao cinema que eu guardei na cabeça, então se hoje sou o moleque insuportável que gosta de ir ao cinema, é tudo culpa das aventuras da família Pêra.

O filme começa com a era de ouro dos super-heróis, mais precisamente na noite do casamento entre o Sr. Incrível e a Mulher-Elástica. Vemos o Sr. Incrível fazendo várias paradas ao longo do caminho ao altar para ajudar pessoas, ações que mais tarde serão responsáveis pela aposentadoria forçada dos super-heróis, que causaram danos aos cofres públicos devido aos processos e revolta dos cidadãos. Quinze anos depois, os super-heróis vivem escondidos entre nós, levando vidas normais, criando famílias, como é o caso do Sr. Incrível, ou melhor, Roberto Pêra, agora um pai de família acima do peso, trabalhando com apólices de seguros, burlando as normas da empresa para de fato ajudar seus clientes. Sua esposa, Helena (a Mulher-Elástica), fica em casa cuidando de seus três filhos, o hiperativo pré-adolescente com super-velocidade, Flecha, a adolescente tímida que é capaz de ficar invisível e criar campos de força, Violeta e o bebê Zezé, que aparentemente não desenvolveu nenhum poder.

É legal ver que, se no começo do longa, o Sr. Incrível é o mais disposto a se acomodar e levar uma vida normal e a Mulher-Elástica é a que defende que não vai se aposentar e deixar o mundo ser salvo pelos homens, esses papeis acabam sendo invertidos, tornando Helena a defensora da ideia de que eles precisam levar uma vida normal e Beto simplesmente não conseguindo funcionar como um cidadão comum, o que já fez a família se mudar bastante e utilizou muitos recursos da ANS (Agência Nacional de Super-Heróis, responsável por manter o anonimato dos heróis) para consertar os danos feitos por ele após a aposentadoria. Helena também é aquela que melhor controla seus poderes, como podemos ver ao final da discussão que tem com Beto após o incêndio, onde ela, podendo facilmente esticar seu braço para desligar uma lâmpada, resolve não economizar o trabalho e anda até o interruptor, sendo que minutos antes, a mesma usou seu poder no calor da discussão para se igualar ao marido.

Outro ponto acertado do filme é o design de produção, principalmente em relação às cores. Se após a entrevista em preto e branco, somos acertados por uma paleta de cores quentes e incrivelmente saturadas, o escritório de Beto é apresentado como um lugar frio e sem cores. Além do desaparecimento das cores, o lugar é apresentado com uma profundidade de campo tão reduzida que provoca a sensação de claustrofobia, fazendo todos no cenário estarem a menos de dois centímetros de distância de qualquer coisa. Ainda nesse assunto, a decisão de fazer o filme em 2.39:1 (mais conhecido como o aspecto de tela que deixa duas barras na sua televisão por apresentar uma imagem com uma largura maior) serve muito bem à narrativa quando vemos Beto tentando se curvar e se espremer para não ter sua cabeça cortada do enquadramento, principalmente durante as cenas do trabalho, onde sempre parece lidar com pessoas muito mais baixas que ele. Curiosamente, a casa da família Pêra ainda apresenta um pouco das cores e do calor vistos anteriormente, dando a entender que, embora Beto não consegue não ser o Sr. Incrível, estar naquele lugar ainda lhe traz um pouco de conforto. Portanto, quando ele volta à ativa e o filme começar a tomar forma e ritmo, sentimos a volta gradual das cores e da profundidade de campo, mesmo que sem perceber.

Ainda no aspecto técnico do filme, os cenários do filme sozinhos já são um espetáculo. Do escritório apertado da companhia de seguros, passando pelo confortável lar suburbano dos Pêra, às florestas, vulcões e laboratórios secretos de Síndrome, que jamais escapa da combinação entre branco e tons de cinza, salvo a prisão, que até hoje se mantém como um dos meus cenários favoritos por causa do uso da iluminação durante suas cenas, até à casa de Edna Moda, onde tudo é grandioso e carregado de imagens mitológicas (em certo momento ela diz que "costumava criar para deuses", juntando-se a Beto na lista de pessoas que não conseguiram se adaptar ao novo mundo).

Claro, tudo isso seria inútil se não fosse pelo roteiro e direção de Brad Bird, que nunca tenta suavizar as mensagens que quer passar durante o filme, principalmente quando coloca Beto questionando a razão de existir uma cerimônia de formatura ao fim da 4ª série ou até mesmo colocando Helena dizendo para seus filhos, sem amenizar, que aqueles capangas não são como os da televisão e que os mesmos não vão hesitar se tiverem a chance de matá-los. E mesmo assim, o filme consegue balancear com seus momentos cômicos e divertidos para o público mais jovem, como os risos provocados pela estilista Edna Moda ou na divertidíssima sequência onde o jovem Flecha finalmente tem a oportunidade de usar seus poderes.

Além disso, o filme acerta mais numa vez com a criação do vilão Síndrome, que nada mais é um garoto num corpo "adulto" (ponto para o design de personagens, que faz o personagem parecer mais como um garoto do que alguém na faixa dos trinta anos [esse é um chute matemático meu, então já peço desculpas]). O personagem é alguém deseja ser o super-herói que nunca conseguiu ser quando jovem e ao mesmo tempo está disposto a tornar o super em algo banal, o que lembra o diálogo entre Helena e Flecha no começo do filme, onde, após ser mandado a diretoria por usar seus poderes, a mãe diz ao filho que mesmo sem poderes, todos são especiais, o que leva à resposta imediata da criança: "Isso é a mesma coisa que dizer que ninguém é".

E se uma animação bem produzida, que usa os diálogos, personagens e o design de basicamente tudo que é visto em tela não é o suficiente, acrescente a excelente trilha de Michael Giacchino, gravada ignorando o processo digital e juntando uma orquestra numa trilha com fortes influências de Jazz, misturando muito bem a coexistência entre o trivial e o fantástico (como o próprio diretor resume o filme e que fica muito claro ao botar os heróis em situações extremamente rotineiras em momentos fantásticos, como a briga entre Gelado e sua esposa durante o ato final, ou ao colocar Helena se avaliando no espelho do covil do vilão), trazendo o filme para uma escala grandiosa, onde ele merece estar.

Quase onze anos depois, mesmo apresentando alguns sinais de envelhecimento em sua animação (um dos problemas em relação à animação feita por computadores), Os Incríveis acaba sendo um exemplo de como se fazer um filme, não apenas de super-heróis, mas também sobre pessoas e sobre a família, mostrando um carinho completo em cada aspecto que pode ser visto (ou não) em cada quadro do filme, o que virou a marca registrada da Pixar e que está fazendo falta nos últimos trabalhos da casa.

O futuro nostálgico de "Tomorrowland"

Antigamente o mundo imaginava um futuro brilhante, com carros voadores, mochilas a jato, paisagens "limpas" e uma sociedade vivendo em harmonia. Depois da Guerra Fria, essa imagem mudou. O futuro deixou de ser a utopia carregada de imaginação otimista e cores claras e passou a apresentar uma paleta de cores acinzentada e a sociedade começou a ser cada vez mais caótica. Um exemplo disso são os filmes, livros, HQs e afins que apresentam essa temática e que vem ganhado espaço na cultura pop, como The Walking Dead, Jogos Vorazes, até mesmo Interestelar. O aquecimento global é uma realidade e realmente estamos mais inclinados a aceitar as teorias mais pessimistas para os próximos anos. Talvez seja por isso que eu tenha gostado tanto de "Tomorrowland - Um Lugar Onde Nada É Impossível" (sim, esse é o nosso subtítulo).

O filme, dirigido pelo (incrível) Brad Bird (Missão: Impossível - Protocolo Fantasma) e escrito pelo mesmo e Damon Lindelof, tem início em 1964, com o pequeno e otimista Frank Walker (Thomas Robinson) visitando a Feira Mundial em Nova Iorque, onde o mundo procurava ideias que poderiam fazer um futuro melhor. Embora sua invenção não tenha funcionado como o esperado, Frank atrai a atenção de Athena (Raffey Cassidy), garota que acompanha um dos jurados do evento, Nix (Hugh Laurie). Athena consegue levar Frank para conhecer Tomorrowland, uma cidade formada e habitada pelas mentes mais brilhantes da sociedade. Depois dessa apresentação, descobrimos que algo dá errado e a jovem Casey Newton (Britt Robertson) é recrutada por Athena e precisa chegar a Tomorrowland com a ajuda de Frank, agora mais velho, menos otimista e interpretado por George Clooney.

Durante os 130 minutos de projeção, temos a impressão de estarmos em casa assistindo a um filme de aventura na Sessão da Tarde, com todas as suas cenas de ação divertidas e incrivelmente pontuais ao longo da narrativa. Além disso, nas primeiras vezes que vemos Tomorrowland, vemos a cidade em toda sua glória em planos-sequência de cair o queixo, tudo graças ao design de produção incrível de Scott Chambliss. As roupas coloridas, a arquitetura do lugar e as invenções ali mostradas servem muito bem ao seu propósito de formar o que será nossa visão da cidade até o terceiro ato. É impossível não sentir o embasbacamento ao abrir um sorriso enquanto andamos pela cidade (tudo isso reforçado pela excelente trilha sonora de Michael Giacchino, que aumenta ainda mais a sensação de aventura da Sessão da Tarde).

Além disso, o filme conta com performances carismáticas de Clooney e Robertson, que apresentam uma química em tela impressionante mesmo estando fora dela (vejam o filme e entendam), mas o destaque fica mesmo para Raffey Cassidy, que jamais tenta realizar um trabalho que o tipo de personagem dela teria recebido em mãos menos capazes, além de ser a dona dos melhores momentos de interação com os atores e das cenas de ação, mas o importante é ver Bird entendendo que, por melhor que seja a estética do filme ou o talento dos atores, devemos nos importar com a jornada dos personagens, principalmente numa estrada cheia de buracos.

Deixe-me dizer de imediato que o filme não está nem um pouco perto de ter um ritmo perfeito. Muitas das vezes, o longa embarca em diálogos e situações que parecem maiores do que deveriam (observe a primeira sequência na fazenda de Frank, que embora divertida, parece tomar um tempo de tela desnecessário). Isso é uma pena, uma vez que a edição foi incrivelmente habilidosa em dar ritmo naquela que seria a parte mais problemática do filme (reparem em como as cenas das aulas de Casey são bem costuradas). Além disso, temos um vilão que foi caracterizado equivocadamente, uma vez que a história não consegue convencer o público dos motivos que levam o personagem a ser o vilão. Aliás, o diálogo feito por Nix é incrivelmente bem executado ao apontar nossos "recentes fetiches" em relação aos futuros distópicos que nos são apresentados e como temos epidemias de obesidade e fome coexistindo, além de outras coisas.

Ao final de "Tomorrowland", eu consegui entender o seu fracasso nas bilheterias (Tron 3 mandou um beijo). Não temos zumbis, robôs, doenças ou invasões alienígenas. Não temos um roteiro exemplar e muito menos uma história que flui sem dificuldade, mas temos um filme que merece ser visto pela criança dentro de cada um de nós. Aquela criança que acharia legal voar pela cidade com uma mochila a jato, que gostaria de viver em Tomorrowland, embarcando em suas naves e seus trens flutuantes. Pelo menos vimos um mundo que não estava completamente cinza ou destruído. Vimos um mundo no qual realmente gostaríamos de viver (vem cá, você realmente vai continuar dizendo que gostaria de viver num apocalipse zumbi?) e às vezes, não é para isso que vamos ao cinema?

Nota: 3.5/5

Entre abelhas e o isolamento

"Entre Abelhas" é a mais nova parceria entre Ian SBF e Fábio Porchat, ambos conhecidos por seus trabalhos no canal "Porta dos Fundos" no YouTube. O longa, que teve seu roteiro trabalhado por dez anos, chegou aos cinemas brasileiros carregando consigo uma campanha de marketing e data de estreia igualmente equivocadas (texto sobre isso em breve).

O filme tem início mostrando Bruno (Porchat) em uma boate qualquer, cercado por seus amigos, bebidas e mulheres desconhecidas na sua "despedida de casado". Seu olhar vazio deixa bem claro que sua mente está bem longe daquela suposta comemoração. Voltando a morar com sua mãe (Irene Ravache), Bruno tenta seguir em frente, até que certo dia, coisas estranhas acontecem a ele: o taxista some no meio do percurso, um skate andando e fazendo curvas sozinho, um ônibus parando em pontos sem ninguém descer. As pessoas ao redor de Bruno estão começando a desaparecer.

Embora conhecidos por suas parcerias na área humorística, SBF e Porchat impõem um tom dramático à narrativa, mostrando Bruno como um sujeito deprimido e que sempre parece deslocado nos ambientes em que está. Essa caracterização básica do personagem não funcionaria se Porchat não nos apresentasse uma performance controlada (em 99% do filme, no caso), sem os trejeitos histéricos que apresentou em seus outros trabalhos. Claro, estamos falando de "comédias" como "Meu Passado Me Condena - O Filme" e dos vídeos do já citado "Porta dos Fundos", mas nada impediria o uso do piloto automático nesse caso, dando o que o publico conhece e gosta. Aliás, o que recebemos aqui é um Fábio Porchat que não lembra em nada sua persona conhecida pelo público, o que é extremamente importante para que possamos acompanhar a história sem problemas.

Junto ao trabalho sóbrio de Porchat, o tom da história é reforçado pela fotografia de Alexandre Ramos e a paleta de cores frias e de baixa saturação (digo "baixa" porque existem momentos durante a projeção que vemos a cor vermelha sendo destacada, como se não tivesse sentido a influência do tom do filme). O filme leva consigo a frieza dos dias de Bruno do primeiro ao último plano de modo acertado.

Isso não significa, que o filme não tenha seus momentos cômicos. Usando sua premissa absurda para criar situações que provavelmente podem arrancar algumas risadas dos espectadores, o filme ainda conta com o personagem do melhor amigo de Bruno, Davi (Marcos Veras), responsável por tentar alegrar o amigo (e colega de trabalho) a base de bebidas e mulheres, além da interação entre Bruno e sua mãe, que funciona perfeitamente durante toda a narrativa, principalmente por causa dos diálogos com os quais muitas pessoas podem se relacionar. Esses fatores mostram-se constantes durante os breves 99 minutos de projeção. E, se em certos momentos a graça se baseia nos diálogos e situações geradas pelo problema de Bruno, em outros, a graça vem da vergonha alheia, principalmente nos momentos em que abandonamos o ponta de vista de Bruno para olhar o que realmente está acontecendo.

Outro ponto positivo é a decisão do roteiro de não se transformar em uma jornada de autoconhecimento envolvendo o protagonista, uma vez que nunca temos uma explicação para o divórcio de Bruno, nem para o seu problema. Se por um lado a trama não quer oferecer explicações, as questões levantadas são seu verdadeiro trunfo. Mesmo não estando em depressão, será que enxergamos o mundo ao redor? Não apenas desconhecidos na rua, mas também amigos próximos e parentes. Ou ficamos tão dentro de nossas bolhas a ponto do mundo passar por nós como apenas um grande centro de figuração?

Infelizmente, o longa não está livre de problemas. A alternância entre o humor e o drama, embora necessários para deixar o filme com mais leveza e fluidez, não funciona o tempo todo, como nos primeiros momentos em que Bruno depara-se com seu problema. Lembra dos 99% de performance controlada do Porchat? Então. Nessas cenas encontra-se o 1% perdido. O momento onde ele abandonou a sobriedade e seguiu a escola Nicolas Cage de chiliques. Além disso, o filme parece não demonstrar nenhum interesse em mostrar o que aconteceu depois de uma cena (maiores descrições podem ser classificar isso como spoiler), que supostamente poderia trazer graves consequências, fazendo com que a sequência parecesse fora de lugar, mesmo podendo ter sido o ponto de virada para a trama, mostrando que aquelas situações causadas pela "doença" de Bruno não são apenas para efeito cômico, mas que, em certas circunstâncias, podem ser mais graves. Aliás, é estranho a decisão de não mostrar a gravidade nesse caso, mas apresentá-la de modo acertado em outro momento da projeção, numa cena que teve sua preparação construída com uma sutileza incrível.

O longa pode não ser perfeito, porém é cheio de escolhas acertadas e demonstra uma interpretação realmente cativante de Porchat. Esses dois (aparentemente pequenos) fatores são o suficiente para fazer o dinheiro do ingresso valer a pena. 

Nota: 4/5

“O Abutre” e a mídia atual

A tecnologia mudou a posição do espectador em relação às notícias. Qualquer pessoa, tendo um celular com câmera e estando no lugar certo e na hora certa, pode virar um repórter. É interessante então ver uma obra tão determinada a sugerir críticas à mídia como “O Abutre” (Nightcrawler), onde acompanhamos um sociopata usando a tecnologia para atingir seus objetivos dentro do sonho americano.

Louis Bloom (Jake Gyllenhaal) vive graças à venda de pequenos roubos até que um dia depara-se com um acidente de carro. No meio da situação de risco e dos policiais tentando salvar a vítima, surgem dois cinegrafistas amadores. Ao ver que eles estavam prestes a vender as imagens exclusivas do ocorrido para quem pagar mais, Louis se vê seduzido pela promessa de um emprego mais ambicioso, arruma câmera digital na primeira oportunidade e entra para o mundo do “nightcrawling”, onde cinegrafistas amadores seguem a frequência de rádio da polícia em busca de uma tragédia forte o suficiente para garantir um bom pagamento.

A fotografia do filme apresenta uma Los Angeles escura e solitária, iluminada por tons frios (num dos primeiros planos do filme, confesso que a fotografia verde e magenta de “Colateral” me veio a mente). Essa fotografia casa com a mentalidade de Louis, que passa seu tempo com cursos online e em busca de oportunidades de ascensão. Aqui, Jake Gyllenhaal mostra uma de suas melhores performances até o momento. Louis é um sujeito de raciocínio e fala rápida, que raramente pisca, quase sempre apresenta um largo sorriso para as pessoas ao seu redor e com um discurso quase sempre voltado à meritocracia, como mostram as divertidas cenas em que ele conversa com seu “estagiário” Rick (Riz Ahmed), onde ele rebate todos os argumentos de seu empregado com perguntas relacionadas ao seu rendimento no trabalho. O personagem jamais questiona a ética de suas ações ou até mesmo a legalidade delas, ao mudar um corpo de lugar para fazê-lo aparecer melhor ou até mesmo invadir cenas de crime, apenas para ter o produto mais valioso.

A busca pela audiência nos jornais não é um tema atual. Por exemplo, em nosso país, quase todos os canais da TV aberta apresentam conteúdos sensacionalistas transmitidos nas vozes dos Datenas e Wagner Montes ao longo de seus telejornais. Em uma determinada cena no começo do segundo ato, a personagem de Rene Russo, Nina, diretora de notícias de um determinado jornal matutino explica a Louis os tipos de incidentes que lhe poderiam render espaço na emissora. A prioridade são os casos em bairros de classe média e alta da cidade de Los Angeles, pois são os que mais rendem audiência e repercussão. As imagens mostradas nas histórias valorizam o lado violento e gráfico da história, montadas para deixar marcada a sensação de insegurança na população, principalmente nas classes citadas por Nina.

É aí que entra um dos maiores trunfos na narrativa de “O Abutre”: o constante questionamento que a trama faz, sem envolver seus personagens em dilemas pessoais, sobre como falta humanidade na mídia e como essa falta afeta os julgamentos éticos e morais das pessoas lá envolvidas. A notícia não serve mais como um modo de informação, mas como um mero artifício para chamar a atenção para o canal mais interessante. Em momento algum na trama Nina demonstra qualquer tipo de questionamento ético em relação ao que ela está passando no canal. As imagens são o que importa. Em um determinado ponto da projeção, ao coordenar o trabalho dos âncoras durante um plantão de notícias, Nina apenas os faz repetirem frases de efeito para incitar a insegurança em quem está assistindo às imagens ali apresentadas.

O diretor estreante Don Gilroy (roteirista de filmes como “O Legado Bourne” e “Gigantes de Aço”) demonstra uma enorme competência, apresentando em sua câmera uma estabilidade parecida com a que os cinegrafistas de telejornal precisam ter em suas imagens, retratando o mundo de Louis como se houvesse um cinegrafista como ele por trás das câmeras, relatando a narrativa como apenas mais uma história. Repare como num dos momentos mais urgentes da trama, não vemos a resolução através de um ponto de vista mais aberto, apenas vemos a ação pela tela das câmeras, sugerindo que os cinegrafistas estariam imunes ao perigo presente naquela situação (e em outras situações ao longo da trama que não serão citadas por motivos de spoiler).

“O Abutre” é um filme que oferece um olhar crítico à situação atual da mídia e de como a participação das pessoas afeta as reportagens, tudo isso através de um personagem com uma posição ética tão neutra quanto a câmera que segura com suas mãos firmes.

Nota: 4/5

Liberal Arts: Josh Radnor e sua contínua busca pelo amadurecimento

Josh Radnor é um daqueles caras que são muito bons no que fazem, mas parecem que só fazem sobre um tema. Se você conhece "How I Met Your Mother", você vai notar similaridades com a trama/personagem principal de "Tudo Acontece em Nova York" (o título em português para "Happythankyoumoreplease", primeiro filme dirigido e escrito por Radnor) e se você conhece os dois, vai notar similaridades com "Liberal Arts", o mais novo filme dirigido e escrito por ele.

O filme conta a história de Jesse Fisher (Radnor), que ao retornar à sua antiga faculdade para o jantar de aposentadoria de seu professor (Richard Jenkins) conhece a caloura Elizabeth (Elizabeth Olsen, a irmã menos conhecida/em ascensão das gêmeas Olsen) e a partir daí começam a ter uma relação através de cartas e passam a se conhecer melhor a partir daí.

O principal problema de Radnor na direção/roteiro é o excesso de personagens e sub-tramas ao longo do filme, que acaba passando rapidamente sem resolvê-las, ou dando uma resolução meia-boca. Ao longo do filme, vemos Jesse interagindo, iniciando e continuando relações com muitos personagens. Temos Peter (Jenkins), professor de Jesse prestes a se aposentar. Elizabeth (Olsen), o suposto interesse romântico de Jesse. Nat (Zac Efron), que até agora eu não faço a mínima ideia do que ele estava fazendo ali, entre outras sub-tramas condensadas em apenas 97 minutos de filme (sim, estou chamando isso de pouco tempo). O filme parece não ter espaço para deixar os personagens interagirem mais e fazer mudanças mais fortes à personagem principal e parece que não há a coragem de tirar o excesso. Um exemplo disso é a conclusão da sub-trama Jesse/Dean (John Magaro), que ganhou pouco tempo para termos alguma opinião sobre o personagem e acaba gerando uma resolução que beira o que seria o extremo levando em conta os seus 5 minutos de trama. A sub-trama citada anteriormente poderia ser muito melhor do que foi se tivesse ganho um pouco mais de foco, ao invés do falho alívio cômico que é a participação de Zac Efron e seu hippie semi-universitário.

O que Ted de "How I Met Your Mother", Sam de "Tudo Acontece em Nova York" e a personagem principal desse filme têm em comum? Além do seu intérprete, todas essas personagens sempre estão embarcando em uma jornada de amadurecimento. Esse tema já foi apresentado no primeiro filme de Radnor e continua sendo abordado nesse, mas em "Liberal Arts" vemos o seu amadurecimento como ator/roteirista/diretor. Claro que ele ainda precisa saber dosar as sub-tramas e melhorar um pouco a criação de personagens secundárias, mas na direção e na atuação é possível ver uma firmeza e confiança que fazem o filme se tornar uma experiência no mínimo agradável.

Outro ponto que merece ser comentado são os atores coadjuvantes. Richard Jenkins demonstra um carisma e química impressionantes com Radnor, fazendo com que as cenas entre os dois sejam de longe as melhores partes do longa. Elizabeth Olsen está bem como o par de Jesse, mas falta alguma coisa entre os dois que poderia ter sido resolvida no roteiro (mais uma vez eu volto a culpar a estrutura confusa e fraca do roteiro). Zac Efron beira o ridículo com seu Nat, que como alívio cômico não funciona e muito menos como a voz da sabedoria para Jesse (o que leva a uma cena incrivelmente constrangedora onde Efron faz mais gestos e sons exagerados do que na sua época de High School Musical). As outras personagens só servem para ser comentadas como "pontas interessantes", como no caso de Alisson Janney e John Magaro. Aqui, eles são apenas competentes, sem ter muito material para trabalhar em cima.

"Liberal Arts" demonstra um grande avanço para Radnor como ator e diretor, mas no fim acaba sendo vítima de sua falta de desenvolvimento e "carinho" com os personagens, mostrando apenas tipos superficiais que não sabem o que fazer no mundo adulto assim como seu roteirista não sabe o que fazer no universo de suas personagens.

Nota: 3/5

Django Livre: Tarantino e seu western spaghetti blaxpolitation

"Django Livre" para mim é um filme difícil de se falar. Até o momento eu já assisti ao filme 3 vezes e não sei como começar esse texto. Se eu fiquei sem palavras? Não exatamente. O filme é impecável? Não exatamente. Vamos começar a ser mais exatos.

Estamos às vésperas da Guerra Civil (outro filme com a Guerra Civil como contexto [ou pré] concorrendo ao Oscar esse ano), e acompanhamos a jornada do escravo Django (Jamie Foxx) e seu parceiro e libertador Dr. Schultz (Christoph Waltz) desde seu primeiro encontro até a busca pela esposa de Django, Broomhilda (Kerry Washington). Aqui, Tarantino brinca com a mescla de gêneros. Do faroeste clássico, passando pelo spaghetti até o blaxpolitation, Tarantino cria sua narrativa de 165 minutos, duração da versão de cinema, já que rola boatos que haveria uma versão do diretor com teóricas 5 horas de duração. (A versão de cinema teria mais ou menos 3 horas, mas Tarantino não queria um filme tão longo assim.)

Se já podemos citar um dos problemas do filme, vamos falar da edição de Fred Raskin, um dos maiores (e únicos problemas do filme). Se no começo, ficamos empolgados e mal vemos a hora passar, o filme, devido a sua edição, a segunda metade se torna algo arrastado, embora seja cheia consiga fluir muito bem. Essa é a primeira vez que um filme de Tarantino tem problemas na edição, já que Sally Menkie, editora de todas as outras produções de Tarantino, morreu em 2010. E o problema da edição não ajuda nem um pouco a sua longa duração.

Como a trilha sonora dos filmes anteriores de Tarantino são excelentes e se encaixam perfeitamente no roteiro, a de "Django Livre" não é nenhuma exceção. Misturando Delta blues, soul e hip-hop ao longo do filme (e às vezes, rapidamente, como a sequencia na qual ele usa "Who Did That To You" para no minuto seguinte, usar "Too Old to Die", causando uma leve estranheza), as músicas se encaixam perfeitamente nas cenas e nos personagens. Um exemplo é o uso da música "His Name Is King", ao mostrar Django (Foxx) cavalgando com o Dr. KING Schultz (Waltz).

Vale comentar que o humor do filme está bem posicionado, levando leveza no meio de tanta violência e cenas fortes. Ele passeia pelo humor negro até chegar ao pastelão, apresentando uma sequência na qual uma Ku-Klux-Klan fajuta tenta atacar Django e Schultz, mas é atrapalhada pela péssima qualidade de suas máscaras, que é hilária e completamente inusitada.

É bastante interessante acompanhar a mudança de Django (Foxx) ao longo do filme. Se no começo, o vemos de escravo a assistente de caçador de recompensas, hesitando ao matar o "cara malvado" na frente de seu filho, ele se transforma numa pessoa sem piedade badass. A atuação de Christoph Waltz como Dr. Schultz merece aplausos, pois ele nos mostra um personagem incrivelmente foda, que quando não está caçando procurados, é um sujeito extremamente simpático e humano (as cenas na qual ele interage com Django recém liberto são divertidíssimas, graças ao seus trejeitos e na minha opinião, por mais estranho que seja, o sotaque).

Enquanto Leonardo DiCaprio cria um dos vilões mais filhos da puta já vistos, Samuel L. Jackson é que rouba a cena com seu Stephen, um escravo livre, assim como Django, que não deixou a fazenda de seu patrão e que na verdade, parece mandar mais lá do que o próprio. Destaque para DiCaprio na cena na qual ele surta no final do jantar, descobrindo a verdadeira natureza de seus hóspedes.

E por mais incrível que esteja no papel de Broomhilda, Kerry Washington é apenas a princesa esperando para ser resgatada da torre. Não é a toa que há uma forte semelhança entre a trama do filme com a lenda alemã envolvendo uma princesa chamada Broomhilda que é resgatada de uma torre por Siegfried. A cena na qual Schultz a conta para Django se torna interessante pelo fato de ser contada como uma lenda antiga mesmo, perto de uma fogueira e com Waltz fazendo gestos ilustrando a lenda.

Abusando dos sotaques, do sangue e dos palavrões, Tarantino consegue montar uma narrativa envolvente, cercada de personagens carismáticos (e isso inclui o vilão), que, soando clichê ou não, chama a atenção do espectador desde os estilosos créditos iniciais.

Nota: 4.5/5

Observação 1: Ao fim dos curtos créditos finais, há uma cena extra curta, porém divertida.

Observação 2: Tarantino resolve dar as caras nesse filme, numa ponta engraçadinha numa cena que mesmo importante para a resolução, é um pouco arrastada e parece mais a Kristen Wiig apresentando um prêmio do Globo de Ouro com o Will Farrell.

Vencedores do Globo de Ouro 2013!

Primeiramente eu gostaria de parabenizar que ficou acordado até o final da cerimônia do Globo de Ouro desse ano, eu não sei como nós conseguimos. O resultado não foi nenhuma supresa: deu Os Miseráveis e Argo mesmo. A lista completa de vencedores você confere abaixo:

Melhor Filme (Drama)
Argo

Melhor Filme (Comédia/Musical)
Os Miseráveis

Melhor Diretor
Ben Affleck (Argo)

Melhor Ator (Drama)
Daniel Day-Lewis (Lincoln)

Melhor Atriz (Drama)
Jessica Chastain (A Hora Mais Escura)

Melhor Ator (Comédia/Musical)
Hugh Jackman (Os Miseráveis)

Melhor Atriz (Comédia/Musical)
Jennifer Lawrence (O Lado Bom da Vida)

Melhor Ator Coadjuvante
Christoph Waltz (Django Livre)

Melhor Atriz Coadjuvante
Anne Hathaway (Os Miseráveis)

Melhor Roteiro
Quentin Tarantino (Django Livre)

Melhor Filme em Língua Estrangeira
Amor (Áustria)

Melhor Trilha Sonora 
As Aventuras de Pi

Melhor Animação
Valente

Melhor Canção Original
Adele - Skyfall (007 - Operação Skyfall)


Televisão

Melhor Série (Drama)


Homeland


Melhor Ator em Série (Drama)
Daniel Lewis (Homeland)

Melhor Atriz em Série (Drama)
Claire Danes (Homeland)


Melhor Série (Comédia/Musical)
Girls

Melhor Ator em Série (Comédia/Musical)
Don Cheadle (House of Lies)

Melhor Atriz em Série (Comédia/Musical)
Lena Dunham (Girls)

Melhor Minissérie ou Filme para Televisão
Game Change


Melhor Ator em Minissérie
Kevin Costner (Hatfields & McCoys)

Melhor Atriz em Minisséries
Julianne Moore (Game Change)

Melhor Ator Coadjuvante em Minisséries
Ed Harris (Game Change)

Melhor Atriz Coadjuvante em Minisséries
Maggie Smith (Downton Abbey)